L’architettonica scenografia – tre costruzioni circolari che ruotano e si possono anche aprire per modulare gli spazi dell’azione – è quasi integralmente bianca per un duplice ordine di motivi: perché insegue suggestioni coloniali e perché lo fa secondo una scelta stilistica che guarda al neo-palladianesimo anglosassone, a rimando fra il neo-classicismo britannico e la sua rivisitazione negli Stati Uniti (il luogo dell’opera è Boston).
ALL’INTERNO di questa seducente cornice, Pizzi costruisce lo spettacolo come una serie di quadri, di «tableau vivant» ai quali contribuiscono in maniera determinante i costumi, come sempre bellissimi. Si direbbe anzi che al loro gioco cromatico (si alternano bianco, nero, rosso, tinte pastello e oro-argento) il regista affidi la dinamicità che la rappresentazione per molti aspetti ignora, concentrata com’è nel mettere a fuoco il vero motivo dominante: la passione. Il risvolto politico presente nell’opera scorre sotterraneo, ma non è una vera concausa di quel che accade; non per Pizzi, che anche in questo si mostra molto fedele a Verdi. I congiurati del Ballo sono figurine di contorno, le loro trame solo un’occasione per la sofferta resa dei conti personale fra due uomini che sono per di più stretti da un profondo vincolo di amicizia e di fiducia.
Semmai, è il contrasto stridente fra lo spirito mondano, brillante e vagamente superficiale (scherzi, giochi, balli, appunto…), che serpeggia sottotraccia quasi ovunque e la forza tormentosa e cupa delle passioni a suggerire le soluzioni più convincenti a Pizzi. La festa fatale del terzo atto è una lugubre messinscena, nella quale le maschere ricordano tanti teschi e intorno a pochi danzatori e ai personaggi principali si affolla una piccola folla cupa e inquietante, testimone attonita della tragedia annunciata.
Spettacolo di solido quanto elegante impianto tradizionale, scorrevole nei suoi cambi di scena a vista, questo Ballo in maschera vede tornare sul podio il giovane direttore veronese Andrea Battistoni, che sta rapidamente ampliando il suo repertorio areniano dopo il Barbiere rossiniano del debutto (2011) e le prove di Traviata e Turandot.
RISPETTO ai precedenti titoli, qui la questione stilistica è molto più composita: archiviata la «trilogia popolare», infatti Verdi comincia con quest’opera (che è del 1859) una nuova ricerca che guarda a modelli francesi di brillantezza ed eleganza per tornirli però a modo suo, con il suo personalissimo taglio drammatico. Ci sono molti tesori anche strumentali (oltre che vocali) in questa partitura, ma Battistoni li illumina solo in parte: trova bene lo scatto tragico nella concitazione e nella stretta dei tempi, quando la vicenda ha i suoi «picchi» espressivi, ma non altrettanto la trama timbrica e sentimentale negli ampi squarci lirici, con accompagnamenti generici e scarsa inclinazione alla sensualità della frase melodica, alla rotonda ricchezza della sua morbida linea.
Nella compagnia di canto Francesco Meli presta il suo timbro chiaro e fascinoso e la sua linea di canto elegante, in perfetto stile verdiano «di mezzo», al personaggio del conte Riccardo, apprezzabilmente risolvendo in lirismo incisivamente connotato anche il versante più drammatico del ruolo. Al suo fianco, Hui He disegna un’Amelia di laceranti contraddizioni, divisa fra il dovere e il sogno sentimentale, scolpendo la propria sofferenza con un colore scuro di forte impatto emotivo, vocalmente esaltato da eguaglianza e tenuta in tutte le zone della tessitura e anche da una pronuncia di grande forza comunicativa nella messa a fuoco della «parola scenica». Molto positiva anche la prova del baritono Luca Salsi, che al terzo atto rende vivi e palpitanti la disperazione e il risentimento, fraseggiando con grande intensità e in sostanziale tenuta anche in zona alta. Assai meno bene Elisabetta Fiorillo, che nel ruolo della maga Ulrica forza l’emissione senza costrutto drammatico, esibendo una voce oscillante e piuttosto usurata. In crescendo alla prima la prova di Serena Gamberoni: piuttosto legata nel primo atto, spigliata e svettante nel terzo, con la lucente brillantezza richiesta al fatuo paggio Oscar e una presenza scenica frizzante, sottolineata dalla «ruota» esibita in uscita di scena dopo la sua dispettosa canzone Saper vorreste. Fra i comprimari, meglio William Corrò (Silvano) di Antonio Feltracco (un giudice); a posto i congiurati Seung Pil Choi (Samuel) e Deyan Vatchkov (Tom), non sempre preciso il coro.
Pubblico non da tutto esaurito, ma discretamente numeroso e prodigo di calorosi applausi e di molte chiamate alla fine. Si replica altre sei volte: il 27 giugno, l’11, 19, 24 e 31 luglio e l’8 agosto.

Il Riccardo del tenore Meli
convince senza riserva